Relato digital

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Espacios en "El perfume: Historia de un asesino" (Patrick Süskind)

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La metamorfosis

La misma sala gris de cada día devolvía el eco de mi silencio. La vida, como un barullo ajeno y extraño, bullía tras las ventanas de mi pequeño piso, y yo, como cada día, me ponía el sombrero, con afán de viajero resignado y abatido, afán de arqueólogo cansado que rasca la pared del mismo hueco de siempre.

“Cuando Gregor Samsa se despertó, una mañana después de un sueño intranquilo, se encontró sobre su cama convertido en un monstruoso insecto. Estaba tumbado sobre su espalda dura, y en forma de caparazón y, al levantar un poco la cabeza, veía un vientre abombado, parduzco, dividido por partes duras en forma de arco sobre cuya protuberancia apenas podía mantenerse el cobertor, a punto ya de resbalar al suelo. Sus muchas patas, ridículamente pequeñas en comparación con el resto de su tamaño, le vibraban desamparadas ante los ojos.

• ¿Qué me ha ocurrido?, pensó.

No era un sueño. Su habitación, una auténtica habitación humana, si bien algo pequeña, permanecía tranquila entre las cuatro paredes harto conocidas.” “Dictado” (KAFKA, 2002: p.9)

El lúgubre encanto de la capital bohemia, difuso tras los cristales opacos, me llamaba como cada mañana. Al abrir la puerta, el aire frío del vestíbulo se coló en el piso. Con él, una pequeña polilla voló hasta estrellarse contra el cristal. Yo cerré la puerta y seguí mi camino, extrañado de que el vecino hubiera dejado la ventana abierta en un día como aquél.

“Gregor Samsa aún no había conseguido dominar su nueva forma. Entumecido, agitaba las piernas y las alas desacompasadamente, intentando moverse, pero su vientre pesaba demasiado. Deslizándose por el cristal, sólo acertaba a pensar que le dolía la cabeza, que alguna pata le estaba doliendo de todas las que ahora tenía, y que el tren de las cinco debía estar a punto de pasar.

• A este paso, se dijo, con cinco años no me bastará para pagar las deudas.

Falto de sueño y de conciencia de su estado actual, Gregor Samsa movía penosamente las alas. Consiguió volar hasta el pomo de la puerta, pero, al darse cuenta de que el giro arrítmico de sus patas no producía efecto alguno, se dedicó a soltar improperios sobre lo poco oportuno de ser mariposa y tener por piernas meras cutículas grasientas.”

BIBLIOGRAFÍA

- KAFKA, F. (2002): La metamorfosis y otros cuentos; ed. El País, Madrid.

Ensayo "El perfume"

En "Genésis del Sujeto y el Objeto en El Perfume de Süskind", de Jorge Marugán Kraus, el autor expone sus ideas acerca de la creación de Sujeto y Objeto en la novela del escritor alemán desde el punto de vista de su especialidad, la psicología.

Como novela posmoderna, El Perfume es una historia de gran profundidad piscológica; el ritmo de la novela va marcado por el descubrimiento del personaje principal, un descubrimiento que es individual, interno y que va de la mano de la misma génesis (el personaje se crea a sí mismo a la vez que se descubre, o se descubre a la vez que se crea). Marugán habla en su trabajo de la idea del falo, un concepto freudiano que corresponde a la imagen que falta y que es aquella, imaginaria, que completa el Yo; el objeto de deseo. Podemos argüir que el objeto de deseo en El Perfume es, esencialmente, el olor "perfecto" que lleva al protagonista de la novela, Grenouille, a asesinar a las veinte muchachas que perecen durante la novela. Este olor, sin embargo, no es simplemente un concepto superficial, sino la representación narcisista de la completitud humana, de la completitud de Grenouille.


En la novela, Jean-Baptiste Grenouille acaba por conseguir su objeto de deseo, “el falo sin la falta”, como dice Marugán, un “objeto sexual para todos”. Grenouille consigue capturar la “idea de a”, cubrir el agujero de la necesidad humana; sin embargo, la novela no acaba en el momento en que Grenouille consigue el olor perfecto, “el falo sin la falta”: Después de la gran bacanal que sigue a la revelación de “el perfume” (ese perfume que podemos pensar es el que da título a la novela), Grenouille va en busca de su muerte, porque (citando a la novela de Süskind): “no podía disfrutar ni un segundo de aquel triunfo […] él no los amaba [a los demás], los aborrecía.” He aquí el momento clave de la novela: Tras ocupar página tras página con la búsqueda del “falo” freudiano y su génesis (pasamos aquí a la génesis del Objeto, que es una génesis literal puesto que Grenouille crea su propio falo a partir de diferentes partes partes de un todo – el olor – que va arrancando indiscriminadamente mediante el asesinato), ¡el objeto de deseo no es satisfactorio! Puntualicemos: No es el objeto de deseo lo que no es satisfactorio en sí, el objeto de deseo es “perfecto” y universal, pero no cubre las necesidades de Grenouille. El protagonista, que, en su reclusión en la cueva, pretendía erigirse como un Dios, al ser reconocido como tal descubre que ha luchado por una necesidad que no era la suya (un bien enmascarado deseo sustitutivo epicúreo, quizá), sino por una “idea de a” colectiva que, al fin, no responde a sus propios ideales, sino a los de un colectivo que él aborrece y del que ha querido aislarse durante toda su vida. No hay un “falo sin la falta”, no es ni siquiera un placebo: La verdadera falta está en una necesidad intrínseca de Grenouille que es una paradoja, es irrealizable, es verdaderamente un “a-gujero” (como dice Marugán): La necesidad narcisista de olerse, el deseo de infinitud de Grenouille (que relaciona su olor con el más perfecto de los olores) se enfrenta a la limitación humana, y es entonces cuando Grenouille, que desprecia a la humanidad, se da cuenta de su pertenencia a la misma y decide ir en busca de la muerte.

La tragedia de Grenouille es una tragedia puramente humana. El protagonista y su deseo megalítico son las dos caras de una misma moneda (el Yo), que aun sin existir por separado no pueden convivir, no pueden coexistir en tanto que tienen conciencia el uno del otro. El mito de la completud humana se desmorona, crea un colapso en el concepto del individuo, lo enfrenta a la pregunta última de su esencia y desencadena, como en el caso de Grenouille, su inevitable destrucción. La novela de Süskind ilustra el drama del engaño humano, Marugán escarba en los principios psicológicos de este engaño que, en mayor o menor medida, nos afecta a todos.

Comentario de la escena XIX de la jornada II: “La vida es sueño”

Pedro Calderón de la Barca fue un escritor español nacido en Madrid el 17 de enero de 1600. Varios sucesos de su infancia, como la prematura muerte de su madre y la negligencia de su padre en cuanto a su educación, marcaron profundamente el carácter del dramaturgo, quien cultivó obras de carácter trágico, cómico e incluso autos sacramentales. Algunas de sus obras más importantes son El alcalde de Zalamea, La vida es sueño y El gran teatro del mundo.

Su estilo formal, próximo al culteranismo y sin embargo vulgarizado, rompe con los cánones establecidos por comediógrafos contemporáneos a él como Lope de Vega (por ejemplo, en su Arte nuevo de hacer comedias el Félix de los Ingenios exclama ante culteranismos como “hipogrifo”, que Calderón utiliza generosamente en su obra). Las comedias de Calderón también contribuyeron a establecer la escenografia como elemento importante de la representación teatral.

En esta escena, Segismundo reflexiona en su torre tras, en la escena anterior, haber sido devuelto a ella por Clotaldo. Habla de su condición y su reflexión, al principio personal, parece consolidar la idea en su mente de que la vida no es sino un sueño. Su reflexión se acabará generalizando, terminando en una de las afirmaciones más famosas de la obra: “que toda la vida es sueño / y los sueños, sueños son” (aunque esta afirmación proceda, de hecho, de una canción tradicional).

Algunos de los recursos literarios internos que encontramos en esta escena son la metáfora (el “soñar” es el vivir y el “despertar” es la muerte; versos 14-15 “este aplauso que recibe /prestado, en el viento escribe” quiere decir que es efímero), la antítesis (verso 29 “y el mayor bien es pequeño”),. Algunos de los recursos literarios externos son la anáfora y el paralelismo (“sueña el que a medrar empieza/sueña el que afana y pretende/sueña el que agravia y ofende”, versos 25-28) y la interrogación retórica (“¿Qué es la vida?”), que quiere enfatizar la naturaleza dudosa de aquello a lo que nosotros llamamos existencia.

El espacio dramático de esta escena es la torre, que, como espacio que enclaustra a Segismundo, simboliza asimismo la mentalidad cerrada del protagonista, centrada hasta entonces en la venganza y el odio debido a haber estado recluido y haber sido engañado. Sin embargo, se atisba el cambio en la manera de pensar de Segismundo. Dado que la obra está estructurada acorde a los cánones de Lope de Vega y en la tercera jornada (el tercer acto) el conflicto debe quedar solucionado, y que ésta es la última escena de la segunda jornada, en su soliloquio Segismundo va asimilando su condición de fiera y su capacidad de reprimirla ("es verdad; pues reprimamos/esta fiera condición", versos 1 y 2) y también el tópico de la vida como sueño, incluso el mundo como un gran teatro en el que todo el mundo hace un papel (“sueña el rey que es rey (···)/sueña el rico en su riqueza (···)/sueña el pobre que padece(···)”). Esta idea calderoniana del mundo como teatro se explora en otra gran obra del comediógrafo El gran teatro del mundo.

El lenguaje de este texto, rico en metáforas y descriptivo, sirve al propósito de ilustrar las diferentes ideas filosóficas que podemos extraer, como la concepción de la vida como un sueño (como un teatro) y también las relaciones que podemos encontrar con otras concepciones filosóficas como el platonismo y su mito de la caverna (Segismundo progresivamente se ilumina a medida que su encarcelamiento se acaba).

Soneto en homenaje a Lope de Vega con referencias pseudoparódicas a Don Juan Tenorio

A los epígrafes, porque a veces valen más que el soneto en sí.

Un soneto manda el Señor García,

y en la vida me he visto en tal aprieto.
Catorce versos forman un soneto,

no sé si tengo yo tanta valía.

Busco acaso una voz que haga de guía

entrando por el segundo cuarteto

aunque en medio de este rumor tan quieto

las musas no quieran salir de día.

 La inspiración no viene que al buscarla

y debería encontrarte trabajando

si el Hado no te ha de girar la espalda.

Palacio arriba y cabaña bajando

huye ella siempre del que va a buscarla

y nuevas frustraciones va dejando.

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Relacionar XVII-XXI

Prácticamente cualquier cosa (por no decir todas) se puede relacionar con algo posterior a ella, porque lo actual tiene sus cimientos en lo que ha pasado ya (teoría del palimpsesto: todo está basado en algo prexistente). Memento no es una excepción: si queremos relacionarlo con el Barroco, podemos pensar en la temática oscura, el contraste de los planos, el gusto por lo excesivo (por ejemplo, la enfermedad del personaje principal y la morbosa reconstrucción del homicidio del asesino de su mujer)…

Regresión al siglo XVI

Se levantó y se frotó torpemente los ojos para quitarse las legañas que aún le emborronaban la vista. Medio a oscuras, aún pudo empezar a vestirse antes de desplomarse en suelo como un saco tras los excesos de la noche anterior. “Me queda el consuelo”, se dijo, “de morir con las botas puestas.”

*

Se alzó y se frotó descuidadamente los ojos para deshacerse del humor que aún le dificultaba la visión. Medio a oscuras, aún consiguió comenzar a guarnecerse antes de caer al suelo como un saco* tras el desenfreno de la última víspera. “Me resta el alivio”, pensó, “de perecer con las botas calzadas.”

* Porque "como un saco" es una expresión y no sabía si sustituirla también...

Apuntes "Doña Perfecta" (B. Pérez Galdós)

Galdós utiliza Doña Perfecta como una crítica a la sociedad; para este fin utiliza la metáfora y la ironía. En diferentes momentos del texto podemos ver críticas al nacionalismo extremo (mediante la metáfora del “arte horrible” de la iglesia, que es casa, que simboliza la patria), al conservadurismo (con la mofa repetida del clérigo Don Inocencio), a la religión...
Otros recursos que se emplean en el texto son las referencias, directas a indirectas, a Cervantes, como figura clave de referencia en el Realismo (Don Cayetano, que es un personaje en cierta medida paralelo a Don Quijote – aunque también le usa para criticar ciertos comportamientos), el multiperspectivismo y, como en el Quijote, la técnica del manuscrito encontrado (un narrador omnisciente que pretende no serlo aludiendo a testigos de lo que él narra).
Podemos encontrar referencias a temas de actualidad como el darwinismo (del que era partidario y sobre el que se debatía mucho en el momento); destaca la manera en que incide en los temas que trata para, de alguna manera, suplir la falta de trama argumental: Galdós está más inclinado a divulgar un mensaje que a compartir una historia.

Relato Digital, Revisited

Cerré los ojos y se me cerró la mente. La multitud, tras la fina pantalla de mis párpados, desaparecía de mi memoria, de mi pensamiento y de mis pesares. A veces las aglomeraciones te hacen sentir parte de algo, y otras sólo sirven para sentirte más solo. Al principio no me fue fácil cortar por lo sano. Había tantas cosas que sentir… Pero ya habría tiempo. Respirando lentamente, inhalando y exhalando; todo se iba y el vacío, lento pero seguro, me envolvía y arrullaba mis pensamientos. Se me erizaba el vello cuando pensaba en ella y por eso decidí no volver a pensarla más.  A veces los amores matan sin cuidado y otras te consumen lentamente. Yo había cruzado una frontera y así se me fueron las ganas de todo. Tras los muros. Inconexo, pero de alguna manera con sentido. Porque así era yo en y con mi burbuja. Cerrado al mundo sin una ventanita por la que salir a respirar…

El mundo lírico de Pedro Salinas

Espero que os sirva de ayuda para el examen de mañana. Hay algunos puntos en que el lenguaje igual es un poco oscuro, pero me he dicho que era mejor no saltarse los tecnicismos (por lo que pueda ser). ¡Nada que Google no pueda solucionar! Si hay algún problema dejad un comentario e intentaré aclarar lo que haga falta.

El mundo lírico de Pedro Salinas

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Análisis fílmico: "Bajo la máscara"

"Bajo la máscara" trata el tema de la violencia de género. En él se retrata un episodio de maltrato y las diferentes perspectivas del mismo; una enfermera ve en los registros del hospital el nombre de su amiga y va a verla, y cuando vuelve a visitarla a su casa se da cuenta de que está siendo maltratada y le ayuda a salir de esa situación. El vídeo va dirigido a las víctimas de maltrato y a los maltratadores por igual, y también funciona como herramienta para concienciar al público en general.
La característica principal de este vídeo es el multiperspectivismo; por eso, además de la trama principal, podemos apreciar tramas secundarias (la del niño, la del marido...) que van definiendo a otro personaje: el maltratador.
No podemos estar seguro del tiempo puesto que no hay indicadores (luz, espacio...), pero la parece que la historia que se narra transcurre en unos cuantos días (¿Cuatro?)
La historia se cierra con un primer plano de la cara de la víctima, ya liberada del maltratador.
Además del primer plano, en otros momentos del vídeo también se utilizan planos medios (con cada persona). Los cambios de plano se realizan principalmente por fundido (otra vez, entre las diferentes personas) y por corte (durante el diálogo entre las dos mujeres). En general los planos no son muy largos y se funden entre sí; el más largo es el que muestra a la víctima en su totalidad (la cámara se mueve de los pies a la cabeza). El mayor movimiento que hace la cámara es cuando se centra en la figura de la mujer maltratada, a partir de los pies, que además contextualiza el episodio de maltrato (a pesar de la falta de espacio) porque salen objetos como platos y la silla de cocina.
Los ángulos de cámara son todos normales, y los únicos sonidos que hay son los de las voces de los actores (diegéticos).
Los personajes van dando las diferentes perspectivas que tiene un personaje al que no se la vemos (esto metafóricamente podría ser entendido como un simbolo más de rechazo), y muestran las diferentes caras del mismo. Puesto que el testimonio de uno completa el de otros, los personajes van construyéndose entre sí, formando una red de acontecimientos compartidos. Es especialmente significativo que la mujer maltratada no diga más que una frase, y sin embargo, con lo que han dicho posteriormente ortos personajes, esa frase no hace sino corroborar la idea que ellos han ido formando de la víctima. El papel de la amiga se ha enfatizado porque aunque es la que disculpa al maltratador en un primer momento es la que después ayudará a la víctima a salir de la relación. Llama la atención el personaje del niño que nos muestra otra faceta del maltratador, en la que, sin embargo, también es violento (en contra de la otra imagen típica del maltratador que es que no tiene por qué mostrarse violento en otros aspectos de su vida). Los personajes son creíbles porque son situaciones con las que desgraciadamente estamos familiarizados, además, la fata de sobreactuación por parte de los actores hace que sea mucho más fácil acercarse a ellos.
Puesto que no hay espacio (sólo un fondo negro y dos sillas; una de ellas, la de la maltratada, rota, para contextualizar el episodio de violencia doméstica y para también reflejar el estado de la víctma), los actores se valen especialmente de su voz y de la actitud corporal (por ejemplo, el niño, a quien han reñido fuertemente, está compungido al recordar el suceso; la amiga se inclina ligeramente ante de la cámara, con las rodillas juntas, en actitud más abierta). Todos hablan con voz clara, menos la víctima, a la que la tiembla un poco, y  la amiga baja la voz cuando habla con ella, como en actitud de confidencia, pero igualmente con vehemencia (“te la está jodiendo [la vida]”).
Los cambios de vestuario también son importantes, además del cambio de pelo de la maltratada (pasa de tener el pelo recogido, denotando sumisión, a tenerlo suelto, que simboliza la libertad ahora que ya ha dejado a su maltratador).
El guión es simple; en la sencillez reside su efectividad, ya que no pierde esa cercanía con las situaciones que pasan verdaderamente.

La cabellera en Pedro Salinas

Esa que es grito y salto,

profesora de excesos,

modelo de arrebatos,

desatada bacante

que lleva el pelo suelto

para inquietar los aires,

esa

envidia de torrentes,

ejemplo de huracanes (···)

(Largo Lamento, [1])

Como apunta el ensayo de Erika Bornay, la cabellera (especialmente la de la mujer, como imagen del acto de cuidarla en ritos o ceremonias) ha sido desde hace siglos un símbolo erótico polivalente, que tanto alude a la fuerza vital humana y femenina como activa el subconsciente masculino en su recuerdo del pubis de la mujer o representa el control de ésta sobre el sexo opuesto. La cabellera de la mujer es un recurso que ha sid utilizado incontables veces por autores alrededor del mundo en todas las disciplinas artísticas: la literatura no es una excepción.

En la obra de Salinas encontramos alusiones y descripciones del cabello de muchas de las figuras femeninas (tanto personificaciones como lo que podemos suponer una amada real), y éste elemento enriquece y matiza la descripción al tiempo que añade significación y constituye un recurso dentro de un recurso: no sólo el cabello es importante en cuanto a color o textura, sino a la manera de llevarlo o cómo vuela, creando figuras evocadoras de sentimientos distintos a los que priman en el poema o reforzando la idea principal. Los usos del cabello en la poesía de Salinas sirven también para el establecimiento de vínculos con otros poetas, en lo cual también recuerda la intención pedagógica de la generación del 27 y desde luego deja patente la gran formación cultural y conocimiento literario del autor (que era, además, profesor). El cabello deja de ser otra parte del cuerpo para hacerse un lugar propio, una especie de discreto valor independiente que no sólo embellece a la mujer sino que es también instrumento y sensualidad: el poeta no sólo se acuerda de la mujer por sí misma, sino de los detalles que la componen (sus curvas, el brillo de su mirada – o su cabello.) A pesar de que venga de lejos esta función del cabello como recordatorio de la amada (por ejemplo, en la Inglaterra del siglo XIII era común que los amantes llevaran un rizo del pelo de la mujer prendido en un anillo o un colgante, mientras que, curiosamente, las mujeres se contentaban con llevar un pequeño retrato colgado), Salinas le da una nueva dimensión a la tradición al convertirla en parte de este entramado de conexiones universal, que alcanza todas las épocas y lugares.

A pesar de esto, la referencia a la cabellera de la mujer no siempre es clara y directa. De hecho, podría parecer que hay en parte de los poemas de Salinas una evasión reiterada e intencionada al tema. En el poema séptimo de Largo lamento, por ejemplo, nos habla de cómo la mujer le da la espalda, se la vuelve; no hay ninguna mención al cabello de la misma a pesar de que, siendo característicos los cabellos largos de la mujer como icono o símbolo, habría sido un recurso fácil de explotar que hubiese resultado incluso más coherente mencionar que eludir. Sin embargo parece que la “facilidad” en lo que a impresiones se refiere no es a lo que aspira Salinas: su poesía, que sabemos (y parece saberse) elaborada y estudiadada, destaca tanto por todo lo que incluye como por lo que decide omitir (lo cual, inevitablemente, lleva al lector a pensar también en lo omitido, como una “red de lo no relacionado”). Es todo una especie de juego con el lector que le lleva a crear él mismo sus propios significados, confundiendo quizá la intención del poeta con su simbología, pero, finalmente, haciendo lo que la generación del 27 quería conseguir con su poesía: que el lector creara y que que el lector aprendiera.

Citas en La voz a ti debida

Las citas de Garcilaso y P. B. Shelley en La voz a ti debida son un paratexto que funciona como un epígrafe o pequeña introducción al o síntesis del texto. "... La voz a ti debida" reproduce un fragmento de la Égloga III de Garcilaso:

Y aún no se me figura que me toca
aqueste oficio solamente en vida;
mas con la lengua muerta y fría en la boca
pienso mover la voz a ti debida.
Libre mi alma de su estrecha roca
por el Estigio lago conducida,
celebrándose irá, y aquel sonido
hará parar las aguas del olvido.

En esta parte podemos interpretar que hace referencia al amor divino como motor poético (en el primer párrafo se refiere a María, "la voz a ti debida" es pues, a ella), pero, además, habla de que su alma, más allá del "Estigio lago" (la muerte, referencia clásica a la laguna Estigia) seguirá creando: utiliza el tópico del amor que puede vencer a la muerte (él dejará el mundo pero seguirá su oficio de poeta porque ama a la poesía (o a la Virgen según se quiera leer.)) Su amor es tan poderoso que él, después de muerto, seguirá expresándose poéticamente. Esta capacidad del amor de superar las dificultades (la muerte, que el amor no sea un camino de rosas) también la han expresado otros autores como Lope de Vega, porque el amor es el bien más alto al que puede aspirar el ser humano; podemos aplicar esa lectura a la cita de Shelley: 

Thou Wonder, and Thou Beauty, and Thou Terror!

El amor es terror, maravilla y belleza a la vez; en palabras de C. Zardoya simbolizan "para Salinas la dimensión del amor y sus poemas, aquí, son verdaderos ensayos amorosos, en los cuales aparecen todos los aspectos del amor." Por tanto, los epígrafes de autores tan diferentes y de épocas distintas simbolizarían tanto los diferentes tipos de amor como todas las maneras de verlo, y la internacionalidad y la diferencia de épocas de los autores es una manera de no sólo apelar a su permanencia o a su belleza a pesar de las dificultades, sino también a su universabilidad e inmutabilidad a través del tiempo y las fronteras (físicas o espirituales). En ese contexto se enmarcaría el contenido de este poemario de Salinas: habla del amor en todas sus facetas.

La familia

- ¿Quieres un poco más de té, querido?

Como cada año, la familia Banks se reunía para celebrar la Navidad. Sentados a la gran mesa de cristal que adornaba el elegante comedor señorial, los Banks comían en silencio; de vez en cuando un comentario escapaba de las bocas más jóvenes, pero la conversación no duraba mucho. Ronald Banks, el patriarca de la familia, era un hombre oriundo y tozudo empeñado en conservar las tradiciones familiares. Presidía la mesa con solemnidad y no esperaba pasar un buen rato, pero a sus ojos esas cenas eran una especie de ritual pagano que no podía dejarse de lado. La señora Banks, mucho más práctica y algo menos simple, no compartía esta visión con su marido: para ella, era todo una transacción inevitable pero provechosa, si se llevaba a cabo adecuadamente. El resto de los presentes simplemente se sometía a la voluntad del patriarca, y aceptaba las horas que pasaban juntos como una suerte de penitencia cristiana.

- ¿Qué harás este año nuevo, Jake?

Menos Jake.

- Viajaré. Melissa y yo queremos empezar el año nuevo en Bali. Hemos encontrado un refugio donde necesitan ayuda y nos hemos ofrecido como voluntarios.

El señor Banks se removió en su asiento y se ocupó en cambiar de tema. Jake no era una buena influencia, pensaba el señor Banks. Con su pelo emarañado y sus ideas tercermundistas de amor y paz. ¡Paparruchas! Si su padre le viera... claro que su madre siempre había sido una pécora. No, no era una buena influencia. Pero algún día se irían definitivamente, él y su novia descarriada, y dejarían de perturbar su apacible vida. Ojalá se fueran. Iracundo y ofendido, se levantó de la silla y fue a la cocina.

- Pobre tío, debe pasarle algo. ¡Ahora vuelvo! Necesitará alguien que le anime. – Jake sonrió y se dispuso a seguirle. Y alguien comentaba:

- ¡Jake es siempre tan encantador!

* * *

- ¿Cómo está usted, tío? ¿Le pasa algo?

- ¡Vete, Jacob! ¿Qué quieres ahora? Sabes que no quiero hablar contigo.

- Yo sí que quiero hablar con usted. No puede dedicarse a dejarme en evidencia siempre. – La sonrisa de Jake era verdaderamente irresistible. Los rizos negros le caían a ambos lados de la cara, enmarcando un bonito cuadro de dientes blancos y labios carnosos.

- Puedo dedicarme lo que quiera. Para eso es mi casa. – gruñó el señor Banks. Su sobrino se limitó a sonreír dulcemente.

- ¿Ah sí? ¿Y pensaría lo mismo su querida señora Banks si supiera lo que hace cuando ella no está en casa? – y, cambiando de tono, añadió – Tenemos un pacto. Espero que lo recuerde.

- ¡Desagradecido! Ya te di lo que me pediste. No tendrás nada más.

- ¿Así somos, tío?

- No me llames tío. No puedo confiar en ti.

- No se preocupe por eso... somos una familia, ¿No? No es nada personal. Y las cosas de casa, se quedan en casa... ya sabe.

* * *

Los invitaros se fueron yendo. La señora Banks quiso asegurarse de que su madre llegaba bien a casa y se marchó con ella. Mientras tanto, Ronald Banks miraba absorto a la tetera, que aún hervía en el fuego. Su sobrino, Jake Banks, hablaba distraídamente con él.

- …y por supuesto Melissa y yo tenemos que tener los medios necesarios para irnos... no a Bali, desde luego; yo quiero algo mejor, ¿Qué le parece el Caribe? Sí, unas bonitas vacaciones en el Caribe nos harían tanto bien...

“Esto se acaba hoy. Se acaba hoy.”

- ...y el Caribe, sin unos 1000 euros por cabeza, no se disfruta... ¿No le parece? Y quien dice 1000 dice 1500... ¿Me está escuchando?

- ¡SE ACABA HOY!

El agua hirviendo quemaba la cara de Jake. Ronald Banks golpeaba la tetera chirriante contra el cráneo de su sobrino. Entre gritos, sangre y agua Jake se tornaba cuerpo inmóvil, mueca torcida, ojos desencajados. Su cadáver yacía, aún caliente, en la cocina familiar.

- Lo siento, sobrino. – comentaba su tío. – Pero en fin, es lo que tú dijiste. Lo que pasa en casa...

Y se puso a limpiar antes de que llegara su mujer, porque las baldosas sucias no le gustaban nada.

Reflexión examen de castellano

No tengo mucha idea de qué escribir si me preguntan por el examen. Mi primera reacción fue de sorpresa. Llegaba casi dos semanas tarde respecto a mis compañeros. Acababa de aterrizar y la primera frase de la clase de castellano fue: "Tenéis un examen de diez temas. 28 de octubre." ¡Casi le faltaba decir "Ahí os quedáis"! Pero después de la sorpresa inicial intenté pensarlo fríamente. Al fin y al cabo, he hecho exámenes más largos y para los que he tenido menos tiempo. Luego me enteré de que por razones varias no entraban tres temas, y claro, es mucho más agradable pensar que tienes que estudiar 7 temas que 10, especialmente cuando te saltas los temas de fonología y sintaxis, aunque a mí lo que me guste sea la literatura y siguiera sin agradarme pensar en 7 temas de lengua, uno tras otro. Pero como es algo que se tenía que hacer pensé que no había más remedio que tomárselo con felicidad y filosofía, o al menos paciencia y unas cuantas tazas de té. Hice resúmenes e intentaba atacar a cualquier alma caritativa que me quisiera dedicar un rato con mi discurso sobre morfología y gramática (un poco a traición, la verdad), pero me fue bien; aprendo mejor las cosas cuando se las cuento a alguien. El día del examen no las tenía todas conmigo, y de hecho entré convencidísima de que me iba  a ir muy mal. Pero --mira tú lo que son las cosas--, saqué buena nota. Un día aprenderé a dejar de entrar en pánico por nada. Mientras tanto, y ahora que tengo una nota un poquito mejor y soy un poquito más feliz, me iré a aprovisionar de té. Nunca se sabe...

Vídeos varios

"En tanto que de rosa y azucena", comentario del soneto de Garcilaso de la Vega

SONETO – GARCILASO DE LA VEGA

1 En tanto que de rosa y azucena

se muestra la color en vuestro gesto,

y que vuestro mirar ardiente, honesto

con clara luz la tempestad serena;

5 y en tanto que el cabello, que en la vena


del oro se escogió, con vuelo presto,


por el hermoso cuello blanco, enhiesto,


el viento mueve, esparce y desordena;

coged de vuestra alegre primavera


10 el dulce fruto, antes que el tiempo airado


cubra de nieve la hermosa cumbre.

Marchitará la rosa el viento helado,


todo lo mudará la edad ligera,


por no hacer mudanza en su costumbre.

COMENTARIO

Sobre el autor:

Garcilaso de la Vega, autor toledano del Renacimiento español, habría nacido, según la más reciente hipótesis, en 1499, y muerto en Niza en 1536. Garcilaso fue uno de los máximos representantes del modelo de cortesano renacentista que defendía las armas y las letras. En 1517, con la llegada de Carlos V a España, se prepara para entrar a su servicio bajo la protección de los Duques de Alba. Durante sus años de servicio fue exiliado dos veces a Italia. En Italia, Garcilaso se empapó de la influencia petrarquista (el amor cortés influido por el platonismo), e importó a su regreso a España muchas de las formas italianas de poesía, como el soneto.

Garcilaso tuvo una azarosa vida sentimental. Antes de casarse en 1525 con Elena de Zúñiga, tuvo un hijo ilegítimo con Guiomar Carrillo (que a veces aparece en sus poemas), y, al tiempo, se enamoró de Isabel Freyre (que aparecería en sus poemas bajo el seudónimo de “Elisa”).

Como soldado del rey, su última batalla fue atacando una fortaleza en Le Muy, donde fue gravemente herido; murió poco tiempo después.

Estructura externa: Soneto. Versos endecasílabos que riman en consonante, divididos en dos cuartetos y dos tercetos.

Tema: Tópico literario à “Carpe Diem”

Estructura interna: Podemos dividir el poema en dos partes. En la primera (que abarca los dos cuartetos) se describe a la receptora del mensaje, una mujer que tanto puede ser la amada del poeta o una musa suya como una Venus, representación del ideal de belleza renacentista. En la segunda parte (los dos tercetos) se insta a ésta receptora, tanto mujer como ideal, a que aproveche su juventud ya que el paso inexorable del tiempo llevará a su evejecimiento y posterior muerte.

Uno de los recursos estilísticos más empleados en el poema son las metáforas, por ejemplo: “alegre primavera” à juventud (verso 9); “el dulce fruto” à aprovechamiento de la juventud (verso 10); “edad ligera” à vejez (verso 13); “antes de que el tiempo airado / cubra de nieve la hermosa cumbre” à antes de que ella envejezca (versos 10 y 11).

También encontramos:

• Antítesis: “tempestad serena” (verso 4)
• Hipérbole: “vuestro mirar ardiente, honesto / con clara luz la tempestad serena” (versos 3 y 4); “el cabello, / que en la vena del oro se escogió” (verso 5)
• Epíteto: “clara luz” (verso 4)

También es parte del simbolismo del poema la figura de la rosa (“marchitará la rosa el viento helado”, verso 12). Las rosas, en la lírica renacentista, simbolizaban la juventud, ya que derivaban del tópico literario latín cogite, virgo, rosas (“coge, doncella, las rosas”), que se asemejaba al carpe diem en que exponía la belleza de la juventud o el tiempo presente (sin embargo, no exhortaba al lector a disfrutar de ello).

Una de las razones por que Garcilaso podría haber escrito este poema sería debido al cambio de mentalidad renacentista, cuyo pensamiento era antropocéntrico. Por tanto, se urgía al hombre (ser humano) a disfrutar de la vida que le había sido concedida. Es un momento también en que los valores de la iglesia se relajan y prima el amor carnal respecto al amor intelectual, lo que vino acompañado de varias reformas eclesiásticas para ganar el respeto de los fieles.

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...Por el contrario desenamorarse

es ver el cuerpo como es y no

como la otra mirada lo inventaba

es regresar más pobre al viejo enigma

y dar con la tristeza en el espejo.

M. Benedetti